Andy Warhol, como las imágenes de sus serigrafías, se multiplica y de repente lo volvemos a ver en todas partes: Desde series documentales (The Andy Warhol Diaries, en Netflix y Andy Warhol's America, en la BBC), en obras de teatro (The Collaboration, en el Young Vic, de Londres) y pronto en una casa de subastas, ya que su famoso cuadro de Marilyn Monroe se subastará en mayo).

¿Pero a qué se debe la obsesión actual con el artista? Creemos que hay resonancias sorprendentes con nuestro momento contemporáneo que podrían estar impulsando el renacimiento. Aquí hay algunas de ellas:

Los primeros años de la década de 1960 marcaron una época en la que, al igual que la nuestra, las tensiones rusas eran altas y los medios de comunicación estaban inundados de violentas escenas de guerra (Vietnam a menudo se consideraba una guerra indirecta entre Estados Unidos y la URSS).

La serie “Death and Disaster”, de Warhol, usó la misma técnica de serigrafía que sus icónicas obras de arte kitsch de latas de sopa, sólo que esta vez usó imágenes de periódicos como material de origen (accidente aéreo, envenenamiento, disturbios raciales y suicidios, por nombrar algunos).

El proceso repetitivo de serigrafía tuvo el efecto inquietante de una especie de trastorno de estrés postraumático estetizado, que evoca un deseo de apatía en tiempos de tragedia ineludible. “Ser una máquina” (uno de los mantras más citados de Warhol), no sentir nada, era el escapismo definitivo.

Casi medio siglo antes de que se convirtiera en uno de los focos mundiales de muertes por Covid-19, Nueva York emergió como el epicentro de la crisis del sida. En la década de 1980, Warhol perdió muchos amigos a causa de la enfermedad y expresó un terror cotidiano en las anotaciones de su diario.

En muchos sentidos, esto habla de nuestras propias ansiedades en la era del coronavirus. Warhol se refirió con sarcasmo al sida como "la gran C" después de que el alarmismo de los medios de comunicación condujera a la categorización generalizada de la enfermedad como "cáncer gay".

En sus obras finales vemos un regreso a su estilo anterior, pero con temas religiosos notables, reelaborando La última cena de Leonardo da Vinci. Algunas obras de esta serie final incluso incorporaron titulares de la crisis del sida, como en un acto final de restitución religiosa, o tal vez, en una súplica irónica.

Celebra la belleza y la diversidad

En los primeros días de su carrera, la rareza de Warhol lo convirtió en un extraño. Grandes nombres como Jasper Johns y Robert Rauschenberg lo describieron como demasiado "swish" (llamativo o escandaloso) porque no pasó de manera convincente en la escena artística de Nueva York.

Pero la famosa Silver Factory se convirtió en un espacio para que Warhol abrazara el “swish” al dar la bienvenida a un variopinto grupo de colaboradores LGBT+, muchos de los cuales están inmortalizados en la canción Walk on the Wild Side de Lou Reed.

Su serie de retratos “Ladies and Gentleman” celebra la belleza y la diversidad de la escena gay de Nueva York al poner en primer plano a drag queens y mujeres trans de color, la más famosa de ellas, la activista de Stonewall Riots, Marsha P Johnson. La visión inclusiva de Warhol se dirige a una nueva generación de jóvenes LGBT+ inspirados en destacados íconos queer, desde Olly Alexander hasta RuPaul.

Warhol estuvo inmerso en el mundo de las celebridades, desde la fundación de la revista Interview Magazine hasta el lanzamiento de su programa de MTV Andy Warhol's 15 Minutes. Alcanzó la fama general a principios de la década de 1970 al codearse con estrellas en Studio 54, muchas de las cuales se convirtieron en sujetos de sus retratos, incluidos Mick Jagger y Liza Minnelli.

Warhol entendió que la visibilidad era la clave de la fama: ser visto en el lugar adecuado, en el momento adecuado, con las personas adecuadas. Su comentario de 1968 sobre los 15 minutos de fama es más relevante que nunca.

Se anticipó a gente como Kim Kardashian, una estrella de telerrealidad convertida en superestrella mundial, así como a la fama instantánea de la gente común habilitada por momentos virales en TikTok, Instagram y YouTube.

La última ola de contenido de Warhol infunde al artista con una nueva vulnerabilidad que nos hace cuestionar y reevaluar quién era realmente. The Andy Warhol Diaries nos presenta una figura profundamente defectuosa pero inquietantemente humana, muy alejada de la máquina de impresión robótica que tan desesperadamente buscaba ser. Parece que, en la época contemporánea, el hombre o la mujer detrás del arte es tan importante, si no más, que el arte mismo.

Por encima de todo, estas representaciones recientes revelan la mitología en constante cambio de Andy Warhol: Sigue siendo moldeado por lo que queremos que sea. Como dijo la teórica del arte pop Lucy Lippard:

“Las películas y el arte de Warhol significan mucho o nada. La elección es del espectador”. Pero una cosa está clara, el foco de atención actual sobre Warhol parece sugerir que es un artista, una vez más, del momento.

SIGUE ROMPIENDO RÉCORDS

Hace unos días, la casa de subastas Christie's anunció que espera alcanzar un nuevo récord para una obra de arte del siglo XX con la puja de un retrato de Marilyn Monroe que realizó el artista en 1964.

"Shot Sage Blue Marilyn", que es una de las obras más icónicas de la historia del arte, saldrá a la venta en 200 millones de dólares en la semana de subastas de mayo, anunció Christie's.

Para el presidente de la sección de arte de los siglos 20 y 21 en Christie's, Alex Rotter, esta pintura, la "más importante" que sale a subasta en una generación- es la "cumbre absoluta del arte pop estadounidense y la promesa del sueño americano que encapsula optimismo, fragilidad, celebridad e iconografía todo al mismo tiempo", según informó la agencia AFP.

La imagen de Marilyn Monroe, la actriz estadounidense e icono mundial de destino trágico (1926-1962), pertenece a la Fundación de Thomas y Doris Ammann de Zúrich, Suiza, que consagrará el dinero de la venta a proyectos de salud y educación destinados a mejorar la vida de los menores en el mundo.

"Con el 100 por ciento de la venta de una sola pintura para una obra de caridad, se trata de la mayor venta filantrópica desde la subasta de la colección de Peggy y David Rockefeller en 2018", informó la casa de remates.

El nombre de las cuatro reproducciones "Shot Marilyns", a la que pertenece "Shot Sage Blue Marilyn" - de un metro por un metro, se debe a un incidente producido en 1964 en el taller de Andy Warhol en Manhattan, cuando una mujer que preguntó al artista si podía "fotografiar" los cuadros ("shoot" en inglés) los disparó con un revólver.

Según la anécdota, la bala atravesó cuatro lienzos, que Warhol luego reparó para la serie "Shot" (disparados).

El cuadro "Shot Sage Blue Marilyn" muestra a la actriz con el rostro rosado, labios rojos, pelo rubio y sombra de ojos azul sobre un fondo en azul claro.

Para el presidente del Consejo de la Fundación Georg Frei, la obra de Marilyn realizada por Warhol en 1964, basada en una foto para un cartel publicitario de la película Niágara (1953) de Henry Hathaway, "es testigo de su poder visual intacto en el nuevo milenio".

"El espectacular retrato aísla a la persona y la estrella: Marilyn, la mujer ya no está; las terribles circunstancias de su vida y su muerte han quedado en el olvido. Todo lo que queda es la enigmática sonrisa que la vincula con otra sonrisa misteriosa de otra distinguida dama, la Mona Lisa", destacó la casa de subastas.

Si el retrato de la actriz se remata al precio anunciado, se convertiría en la segunda obra más cara de la historia del arte adjudicada en una subasta, sólo por detrás de "Salvator Mundi" de Leonardo de Vinci, vendida en noviembre de 2017 por 450.3 millones de dólares.

De esta manera superaría el precio pagado por una obra del siglo 20, "Las mujeres de Árgel (versión 0)", un óleo de Pablo Picasso, vendido en 179.4 millones de dólares en 2015 y "Desnudo acostado" de Amedeo Modigliani por 170.4 millones de dólares, también en 2015, los tres rematados por Christie's.

Pese a que la pandemia puso de rodillas a Nueva York en 2020, su mercado del arte nunca ha sido tan boyante y ha encadenado tantos récords gracias a las grandes fortunas de la ciudad pero sobre todo a los compradores de otras partes del mundo, sobre todo asiáticos y cada vez más jóvenes.

Y CONTINÚA LA POLÉMICA

En un caso que podría ayudar a aclarar cuándo y cómo los artistas pueden hacer uso del trabajo de otros, la Corte Suprema de Estados Unidos acordó la semana pasada decidir una disputa de derechos de autor entre un fotógrafo y los herederos de Andy Warhol sobre las pinturas de Warhol del artista Prince, hechas por Warhol.

Los jueces tomaron la apelación de la Fundación Andy Warhol de un fallo de un tribunal inferior que sus pinturas, basadas en una foto de Prince que la fotógrafa Lynn Goldsmith había tomado para la revista Newsweek en 1981, no estaban protegidas por la doctrina de la ley de derechos de autor llamada uso justo. Esta doctrina permite el uso sin licencia de obras protegidas por derechos de autor en determinadas circunstancias.

Goldsmith, de 74 años, contrademandó al patrimonio de Warhol por infracción en 2017 por las pinturas sin licencia de Prince de Warhol, luego de que el patrimonio pidiera a un tribunal federal de Manhattan que determinara que sus obras no violaban los derechos de ella. Y es que Warhol, quien murió en 1987, a menudo basaba su arte en fotografías.

Goldsmith, quien ha dicho que no se enteró de las obras sin licencia hasta después de la muerte de Prince en 2016, pidió a la corte que impidiera que el patrimonio de Warhol hiciera más uso de su obra y por una cantidad no especificada de dinero por daños y perjuicios.